233786

Прерафаэлиты: викторианский авангард

Прерафаэлиты — первые авангардисты Европы, которые протестовали против классической портретной школы с ее париками и пудрой, воспевая естественную, романтическую, шекспировскую красоту.
Прерафаэлиты (англ. Pre-Raphaelites) — яркое направление в английской живописи и поэзии второй половины XIX века,созданное как протест против чопорных традиций викторианской эпохи.
Название течения указывает на уважение к флорентийским художникам раннего Возрождения, творившим до Рафаэля: Перуджино, Беллини, Фра Анжелико.
Прерафаэлиты почитали чистые яркие цвета, особенно рыжий и сочный зеленый: цвет озерной воды и трав. Силуэты людей на полотнах парящие — в них есть что-то от ликов святых, волосы распущены. Героини похожи на дам сердца рыцарей: светлая кожа, длинные золотистые локоны, утонченный вытянутый силуэт, большие глаза, струящиеся платья.
Джон Эверетт Милле. Офелия
Офелия
Джон Эверетт Милле
1852, 111.8×76.2 см

Вдохновленные Шекспиром

Основные сюжеты: библейские мотивы, как у художников раннего Возрождения, или портреты прекрасных женщин, часто на фоне природы. Окончательно зритель полюбил прерафаэлитов благодаря картинам на шекспировские мотивы. Самая популярная — «Офелия» Джона Эверетта Миллеса (1852 год). Сегодня он входит в число самых любимых художников Англии.
Чтобы отличать прерафаэлитов от мастеров эпохи Возрождения, стоит обращать внимание на яркость: у прерафаэлитов цвета более насыщенные, картины лучше сохранились — заметно, что их писали в XIX веке, а не в XV.

Джон Эверетт Милле. Беседы
Как и итальянские вдохновители из прошлого, прерафаэлиты уделяли много внимания символам, писали с натуры. К примеру, в лицах героев полотна «Изабелла» Милле узнаются черты членов Братства прерафаэлитов.

Тесные отношения в братстве

Отношения в братстве были тесные, почти семейные: нередко художники влюблялись в сестер своих товарищей по кисти. Джеймс Коллинсон был влюблен в сестру Данте Габриэля Россетти, Кристину. Данте Россетти познакомился с будущей женой, поэтессой Элизабет Сиддал в мастерской Миллеса (с нее была нарисована та самая «Офелия»). Поэтесса была постоянной моделью многих прерафаэлитов. В картинах Россетти «Паоло и Франческа да Римини», «Любовь Данте», «Явление Данте Рахили и Леи» женские образы — это Элизабет.

Джон Уильям Уотерхаус. Русалка
Русалка
Джон Уильям Уотерхаус
1900, 98×67 см

Известные художники-прерафаэлиты

Джон Эверетт Миллес, Мэдокс Браун, Эдвард Бёрн-Джонс, Уильям Моррис, Артур Хьюз, Уолтер Крейн, Джон Уильям Уотерхаус, Уильям Холман Хант, Данте Россетти

Джон Уильям Уотерхаус. Гилас и нимфы
Гилас и нимфы
Джон Уильям Уотерхаус
1896, 132.1×197.5 см

Знаковые картины

— Джон Эверетт Миллес «Офелия», 1852. Одна из первых работ на шекспировские мотивы, после которой стиль получил широкое признание английской публики
— Джон Уильям Уотерхаус «Гилей и нимфы», 1896
— Джон Эверетт Миллес «Долина покоя», 1858. Картину можно увидеь в галерее Тейт, Великобритания
— Уильям Холлман Хант «Леди Шаллот».

Джон Уильям Уотерхаус

Джон Уильям Уотерхаус (англ. John William Waterhouse, 6 апреля 1849, Рим — 10 февраля 1917, Лондон). Знаменитый английский живописец, чьи работы относят к творчеству прерафаэлитов.

Особенности творчества художника: Уотерхаус, как и другие художники-прерафаэлиты,стремился уйти от реальности, прибегая к мифологическим и библейским сюжетам,перенимая образы из легенд Старой Англии, рыцарских романов. Главный герой его живописи — это образ сильной и властной женщины, соответствующей канонам красоты Викторианской эпохи, но при этом нежной и манящей. Его героини — это Офелия и Клеопатра, Пенелопа и Психея, волшебницы и заклинательницы, одушевленные силы природы и мифические существа. Уотерхаус отдавал предпочтение трагическим и жестоким сюжетам, но при этом обладал талантом найти в них стоическую силу,спокойствие и красоту.

Известные картины художника: «Леди Шалот в лодке», «Душа розы», «Офелия», «Северный ветер», «Психея, проникающая в сад Купидона», «Колдунья».

Джон Уильям Уотерхаус, чьи произведения насчитывают более двух сотен,на протяжении всей своей жизни регулярно выставлял свои картины, продавал их в Англии и за ее пределами. Это тот редкий тип художника, который при жизни достиг своей славы,что позволило его семье жить в достатке. Сегодня он один из дорогостоящих живописцев, и его полотна не только признак хорошего вкуса, но и выгодное финансовое вложение. Например, в в июле 2016 года его картина «Миранда»

Джон Уильям Уотерхаус. Миранда

из частной коллекции была продана за 581 тысячу фунтов стерлингов. Самое дорого полотно автора — «Святая Цецилия», за которую было отдано в 2006 г. 6,6 млн. фунтов стерлингов на аукционе Christie’s.

Джон Уильям Уотерхаус. Святая Цецилия

Ранние годы творчества Джона Уотерхауса

Джон Уильям Уотерхаус родился Риме в 1849 году. Интересно, что именно в этом году первые члены Братства Прерафаэлитов вызвали ажиотаж в Лондоне. Родители его были английскими художниками, и творческая обстановка окружала будущего живописца с младенчества. Спустя пять лет после рождения Уотерхауса семья возвратилась в Лондон, где поселилась в доме недалеко от музея Виктории и Альберта. В детстве мальчик часто работал вместе с отцом, делал зарисовки с экспонатов из Национальной галереи и Британского музея. В 21 год он с успехом сдает экзамен в Королевскую академию художеств, где вначале начинает изучать скульптуру и лишь затем живопись.

Первые произведения Джона Уильяма Уотерхауса выставлялись в музее Дадли. Они создавались под впечатлением живописи модных в конце XIX века живописцев: Лоуренса Альма-Тадемы и Фредерика Лейтона, чьи художественные образы отличались античной чувственностью и холодным академизмом. Однако время подражательства было недолгим,и молодой человек в возрасте 25 лет представил на выставке масштабную работу «Сон и его сводный брат Смерть».

Джон Уильям Уотерхаус. Сон и его сводный брат Смерть

С этого дня и до конца жизни художника она не переставала выставляться. Критики и зрители встретили эту картину с искренним восторгом. Уже здесь можно отметить основные особенности всего творчества художника: тяготение к мифологии, использование ярких и в то же время гипнотически завороженных образов,символизм как в общей идее, так и в отдельных деталях. Отсюда начинается отчет популярности Уотерхауса.

Становление и признание

В 1883 году Уотерхаус в возрасте тридцати четырех лет женится на художнице Эстер Кенуорти. Интересно, что среди своих восьмерых братьев и сестер, она единственная занималась творчеством, писала натюрморты и выставляла свои работы. У пары родилось двое детей, которые умерли в младенчестве.

В 1885 году художник становится членом Королевской Академии и только лишь в 1895 академиком. Уотерхаус активно принимает участие в художественной жизни Лондона,регулярно выставляется и преподает живопись в школе искусств St John’s Wood.

Самые известные произведения Уотерхауса — это всегда сюжеты из древних мифов,сказочные и исторические персонажи, окутанные загадками и тайнами. Мастер начинает создавать особенные женские характеры — сильные, обладающие властью как реальной,так и магической, свободолюбивые, полные сдержанной грации и чувственные. Такой взгляд органично вписывается в обстановку Викторианской Англии, где женщины впервые начали проявлять политическую активность и участвовать в выборах.

«Леди Шалот в лодке» 1888 г.

Джон Уильям Уотерхаус. Леди из Шалот

— это знаменитый образ героини баллады Альфреда Теннисона, практически первая картина, которая приходит на ум большинству при упоминании имени художника. Волшебная дева была изображена еще на двух полотнах: в 1894 и в 1915 годах.

Джон Уильям Уотерхаус. Магический круг

«Магический круг» — работа кисти Уотерхауса, выполненная в 1886 году. Она приходится на самый центр его творческого пути и является концентрацией всей художественной идеи автора.

Тема магии, волшебства и потустороннего мира — одна из доминирующих в живописи Уотерхауса наравне с его знаменитыми женскими образами. Женщина и магия для него практически идентичны, обе они обладают необъяснимой силой, обе властны решать судьбы. «Магический круг» замыкает в себе эти два столпа, образуя собирательный, но при этом индивидуальный облик волшебницы. И в этом еще одна особенность картины — это не литературный персонаж и не иллюстрация к поэме, пьесе или роману.

Один из ярких женских образов Уотерхауса — это Офелия, которой посвящен цикл работ. К сожалению, дописать его до конца автору не удалось из-за тяжелой болезни. Для получения диплома в Королевской Академии он представил именно Офелию, созданную в 1889 году.
Джон Уильям Уотерхаус. Офелия, лежащая на траве

Образ Офелии вдохновлял не только художников. Он стал толчком для создания особой эстетизации смерти героини, которая описана Шекспиром невероятно поэтично:

«Её одежды, раскинувшись, несли её, как нимфу; она меж тем обрывки песен пела, как если бы не чуяла беды или была созданием, рождённым в стихии вод; так длиться не могло, и одеянья, тяжело упившись, несчастную от звуков увлекли в трясину смерти».

Офелия перестала быть просто полоумной дворянкой, влюбленной в Гамлета, она стала символом, который регулярно возникает в изобразительном искусстве, музыке и литературе.

Джон Уильям Уотерхаус. Офелия

С своей жизни Уотерхаус был на хорошем счету у коллег-художников, искусствоведов и простой публики. Он оказался в нужное время в нужном месте, его талант понимали и одобряли. Можно считать это большим везением для человека творческой среды, стоит лишь ознакомиться с биографиями других художников. Его работы вышли из моды практически сразу после его смерти и снова стали интересны критикам и зрителям в конце ХХ века. Об этом красноречиво говорит тот факт, что изображение художника появилось на британской почтовой марке в 1992 году.

Картины Джона Уильяма Уотерхауса разбросаны по всему миру. Они принадлежат крупнейшим музеям Великобритании, Австралии и других стран. Многие работы находятся в частных коллекциях в Англии, США и России.

Модели и художник

В центре произведений Джона Уильяма Уотерхауса образ мифической, далекой от реальности женщины. Однако были живые английские мисс и миссис, которые позировали художнику, помогая воплощать его идею на холсте. Например, многие ранние портреты, а также знаменитые «Леди Шалот в лодке» и «Северный ветер» были написаны с сестры художника — Мэри Уотерхаус.

Джон Уильям Уотерхаус. Северный ветер

Интересно, что Эстер Уотерхаус, супругу автора, редко можно найти в его творчестве,лишь в незначительных портретах и бытовых зарисовках. Считалось, что «Леди Шалот в лодке» была написана с нее, но недавно исследователи опровергли это.

Внимательный наблюдатель отметит, что на многих картинах Джона Уильяма Уотерхауса присутствует одна и та же модель: рыжеволосая девушка с тонким профилем. Считается,что это Гвендолин Ганн — модель и одновременно друг семьи живописца. Она на протяжении многих лет общалась с ним и сохранила дружеские отношения с Эстер после смерти живописца.

Картина «Сон и его сводный брат Смерть», сделавшая художника знаменитым, обязана не только его таланту, но и Мисс Кейт Дубль. С нее были написаны оба юноши, сходство которых и указывает на их родство.

Мюриэл Фостер была долгое время музой художника, и благодаря ей существует знаменитый женский образ «Колдунья».

Джон Уильям Уотерхаус. Колдунья

Мэри Ллойд — еще одна из моделей Уотерхауса, но более известна, как девушка с картины «Пылающий июнь» Лейтона.

Люди, знавшие Уотерхауса, отмечали, что отношения со своими моделями он поддерживал исключительно сдержанные, никогда не допуская двусмысленности.

Джон Уотерхаус до конца жизни занимался живописью, несмотря на страдания, которые приносило ему онкологическое заболевание. В феврале 1917 года он скончался и был похоронен на кладбище Kensal Green в Лондоне.

Символизм

Символизм – движение в искусстве конца 19 – начала 20 столетия.

В живописи это движение называют постимпрессионистским. На всей территории Европы в период между 1886 и 1900 годами символизм доминировал практически во всех областях искусства. Для России начала 20 столетия наибольшим влиянием пользовалось творчество Врубеля.

ИСТОРИЯ

Изначально символизм сформировался в прозе, поэзии, философии и театре, затем распространился на музыку и изобразительное искусство. Стиль имеет прочные связи с романтизмом. Символизм в живописи был в значительной степени реакцией против натурализма и реализма, тесно связан с мифологической тематикой в живописи всех жанров.

Символисты искали глубинный смысл в фантазии, мечтах, сознании, эмоциях, там, где реалисты и натуралисты стремились воспроизвести действительность в ее объективности, их идеи были сосредоточены на передаче идеального образа.символизм, стили живописи, картины, художники

ПРЕДСТАВИТЕЛИ

Известные художники-символисты 19 – 20 столетия:

  • Густав Моро (1826 — 1898)
  • Арнольд Беклин (1827 -1901)
  • Ходлер (1853 — 1918)
  • Макс Клингер (1857 — 1920)
  • Поль Гоген (1848 — 1903)
  • Энсор (1860 — 1949)
  • Эдвард Мунк (1863 — 1944)
  • Одилон Редон (1840 — 1916).

Картины находятся в известных галереях мира. Для России наиболее знаковым является творчество Врубеля.картины, художники, стили живописи, символизм

Развитие стиля не было долговечным, но имело сильное влияние на немецкое искусство 19 столетия и развитие творчества в России. Символизм сыграл свою роль в творчестве Джорджо де Кирико, Хуана Миро, Пауля Клее, Фриды Кало и Марка Шагала.

В течение 1990-х годов, ряд китайских художников использовали символистские мотивы для выражения политических и социальных неопределенностей, существовавших стране, особенно, после разгона демонстраций на площади Тяньаньмэнь.

ОСНОВНЫЕ ИДЕИ

Статья под названием «Le Symbolisme», которая появилась во французской газете «Le Figaro» 18 сентября 1886 года, была написана французским поэтом Жаном Мореасом. По его словам, символика была против «простого смысла и прозаичного описания».

Цель символизма состояла в том, чтобы «облечь идеал в ощутимой форме». Проще говоря, символисты считали, что искусство должно выражать абсолютные истины, используя метафорические образы и аллегории, содержащие символическое значение.

Художники-символисты 19 – 20 столетий были вдохновлены литературой и поэзией, историей, легендами, мифами, библейскими историями. Создавая картины, символисты наделяли предметы, изображенные на полотне, мифологическим, мистическим, эзотерическим смыслом. Черты мировоззрения авторов передают картины – наиболее популярными тематиками были чувства и эмоции, религия, оккультизм, любовь, смерть, болезнь и грех.

стили живописи, картины, художники, символизм

Символизм во многом был реакцией против урбанизации и материализма викторианской эпохи. Он отверг узкие изобразительные пределы натурализма. Это философский, а не живописный стиль. Картины живописцев – Врубеля, Дельвиля, Рериха и других – передают глубокую истину на противовес реалистам, которые отображали лишь внешнюю оболочку.

Символизм является интеллектуальной формой экспрессионизма. Именно содержание, а не цвет и форма делают работы художников этого направления уникальными и узнаваемыми. Стремление передать не буквальный образ, а крик души, переживания, настроение, впечатления было главным смыслом символизма в творчестве Врубеля, Редона, Моро, Дельвиля.

ХАРАКТЕРНЫЕ ЧЕРТЫ

Выделяются характерные черты стиля: новаторство, стремление к экспериментам, таинственность, неоднозначность, недосказанность.символизм, стили живописи, картины, художники

ФРАНЦИЯ

Региональные особенности развития символизма:

Французская школа символизма отличается тягой к синтетизму и декадансу. Представители направления: Пюви де Шаванн, Гюстав Моро, Одилон Редон, Поль Гоген, Эмиль Бернар, Эдгар Максенс. Известные картины: «Осень», «Сон» (Пюви де Шаванн), «Саломея», «Фаэтон» (Г. Моро), «Циклоп» (О. Редон), «Снежная королева» (Э. Максенс).

БЕЛЬГИЯсимволизм, стили живописи, картины, художники

Бельгийский символизм развивался по линии декаданса. Картины Ксавье Меллери, Джеймса Энсора, Жана Дельвиля в стиле символизм отличаются особым восприятием и передачей образов.

БРИТАНИЯстили живописи, картины, художники, символизм

В Британии ощущалось влияние прерафаэлитов, их средневековый стиль и возврат к идеалам Возрождения дал толчок истории местного символизма. Художники: Уильям Холман Хант (1827 — 1910), Данте Габриэль Россетти (1828 – 1882), Джон Эверетт Милле (1829 – 1896), Эдвард Берн-Джонс (1833 — 1898).

РАЗВИТИЕ СТИЛЯ В РОССИИкартины, художники, стили живописи, символизм

Символизм в России отставал от своего движения в Западной Европе. Период представлен творчеством Врубеля, Нестерова, Сомова, Рериха, Гущина. В развитии русской живописи этот период связан с представителями Серебряного периода в начале 20 столетия, совпавшего с появлением модерна в культуре.

Культурное становление русской философии и поэзии этого периода происходило в сложный период развития государственности. Представители Серебряного века переключились с политических и социальных проблем на мистические, философские. Это ярко проявилось в работах Врубеля. Русский символизм наиболее выразительно представлен поэтами Серебряного века. Название зародилось позже, чем получили популярность работы поэтов и художников – в эмиграции, по аналогии с Золотым веком русской поэзии 19 столетия.стили живописи, картины, художники, символизм

Сущность российской версии символизма – богоискательство, эмоциональность, декадентство. Окончание Серебряного века связано со становлением советской власти.

Одним из наиболее ярких представителей этого периода в русской живописи является Михаил Врубель. Живописец работал в разных жанрах искусства – графика, театр, живопись, скульптура. Влияние Врубеля на живопись Серебряного периода исключительно. Одной из главных работ Врубеля, репрезентативных для характеристики периода, можно назвать полотно «Демон сидящий».

Картины представителей периода были представлена на двух тематических выставках – «Алая роза» и «Голубая роза». Первая прошла в Саратове в 1904 году. Организаторами были представители одноименного объединения, созданного в конце 19 века. В 1907 году ядро Алой розы сформировало новое объединение – «Голубая роза».стили живописи, картины, символизм, художники

Работы символистов России Серебряного периода характеризуются атмосферностью. Художники стремились передать суть, а не правильную, натуральную форму.

ЗНАЧЕНИЕ В ЖИВОПИСИ

Направление стало основой для нового, авангардного искусства, которое только начинало оформляться в конце 19 – в начале 20 веков. Представители Серебряного века в России, в частности, творчество Врубеля, прерафаэлиты Великобритании, символисты других стран, находясь под влиянием культуры декаданса и романтизма, создали условия для развития авангардного искусства.

Символизм 20 столетия – это философия живописи, отрицающая натуральность и природную передачу формы и цвета. Символизм Серебряного века помог сформироваться актуальным на то время идеям – многоплановость развития творческой мысли, обострение внимания к проблемам религии и духовности, неомифологизация искусства, синтетичность творчества, превращение живописи в способ нового познания глубинной сути явлений, переживаний, объектов.

Стиль поп-арт

В конце 1950-х годов в Англии и Америке появился поп-арт – движение нового поколения художников, которые искали вдохновение в повседневной жизни, создавая искусство из товаров быта, народного потребления и средств массовой информации.

Поп-арт: искусство XX века

uuy10Художники поп-арта, или популярные художники, творили в прямолинейной манере, применяя смелые яркие цвета, использовали трафаретную печать, шелкографи809496ю для быстрого и массового производства картин, преуменьшая при этом ценность и эксклюзивность
работы художника, обезличивая его деятельность. Направление в искусстве получило название «поп-арт» (сокращенно от «popular art» — «популярное искусство»).

Появилось это течение как ответ на работы абстрактных экспрессионистов, чьи творения доминировали в американском искусстве в послевоенное время, а впоследствии в целом как противовес «высокому искусству». Художники поп-арта предпочитали видеть в работах возвращение к реальности, ежедневные образы, остроумие и иронию.

Популярные художники стремились соединить традиции изобразительного искусства с элементами поп-культуры из телевидения, кино, мультфильмов, печатного глянца и рекламы.621356304856

В то же время, их творчество бросало вызов традиционным границам между различными масс-медиа, совмещая элементы живописи и графики с фотографией и печатью, элементы ручной работы и массового производства, а также комбинируя различные объекты, изображения и иногда текст для создания новых смыслов. Хотя пик популярности поп-арта случился в прошлом веке, это направление до сих пор имеет множество последователей, которые создают картины в современном стиле.

862242Основоположниками поп-арта являются Ричард Гамильтон и Эдуардо Паолоцци, однако сейчас этот стиль, в первую очередь, ассоциируется с именами Энди Уорхола, Роя Лихтенштейна, Джеймса Розенквиста, Роберта Раушенберга, Класа Олденбурга и других художников. Пожалуй, самой известной фигурой среди них является Энди Уорхол – американский художник, режиссер, дизайнер, продюсер и одна из самых противоречивых личностей в искусстве XX века. Его работы знамениты во всем мире, а некоторые из них являются одними из самых дорогих картин, когда-либо проданных.

ТОП-5 самых известных работ Энди Уорхола

Мэрилин Монро (1962-1967)

331592

Именно это фото Мэрилин Монро – самое известное изображение среди работ Энди Уорхола и работ в стиле поп-арт в общем.

236443Первую работу под названием «Золотая М983581эрилин» он создал в 1962 году, когда актриса покончила с собой. Для этого Уорхол использовал черно-белое промо-фото к фильму «Ниагара» (1953) с изображением Мэрилин, закрасил холст переливающейся золотой краской и отпечатал лицо кинозвезды прямо в центре этой композиции.

Таким образом, дублируя фотографию, Уорхол подрывает уникальность и подлинность характеристик традиционного портрета, показывает, что он может быть бесконечно воспроизводимым изображением. Уорхол использует эту же фотографию для создания целых серий изображений. Каждая работа с Мэрилин была экспериментом над цветом и тенями. Благодаря технике нанесения изображения методом шелкографии и помощи своих ассистентов Уорхол был способен очень быстро создавать такие картины в стиле поп-арт.

Позже Уорхол создал пять портретов Мэрилин в красном, голубом, оранжевом, шалфейном и бирюзовом цветах. С первыми четырьмя работами случилась интересная история: на одной из выставок Уорхола их прострелила из пистолета одна из гостей-художниц (она всего лишь попросила у художника разрешения «щелкнуть» картины, а слово «shoot» на английском означает не только стрелять, но и снимать фотографии). Однако это только усилило популярность картин: они получили название «Застреленные Мэрилин», а их цена повысилась. Уцелевшая пятая картина оказалась «Бирюзовой Мэрилин», и именно репродукции этой работы сейчас растиражированы больше всего.

Банки супа «Кэмпбелл» (1962)

228537

Говорят, именно владелец художественной галереи и дизайнер интерьеров Мюриэл Лэтоу подал идею этой поп-арт картины Уорхолу, когда сказал, что тот должен рисовать объекты, которые люди видят вокруг каждый день. Эта работа является ранним образцом серий многократно повторяющихся изображений Уорхола, представляющих товары массового потребления. Художник рисовал банки с супом не единожды: есть картина, где банка изображена в единственном экземпляре, картина, где представлено шесть банок, а есть варианты изображений целых рядов банок с разными вкусами супа: «32 банки супа «Кэмпбелл», «100 банок супа «Кэмпбелл» и «200 банок супа «Кэмпбелл».

200 долларовых банкнот (1962)

53503

Когда Уорхол спрашивал у своих знакомых, какие поп-арт рисунки они бы еще хотели увидеть, одна из знакомых девушек спросила его о том, что он сам в действительности любит больше всего. Тут-то у Уорхола и возникла идея нарисовать долларовую банкноту — вот уж действительно самый популярный и самый массовый объект современности. На картине не изображено ничего лишнего, только двести однодолларовых купюр, выложенных сплошными рядами.

Восемь Элвисов (1963)

408660

Эта монохромная поп-арт картина, размером в двенадцать футов, представляет собой восемь одинаковых, накладывающихся друг на друга рисунков Элвиса Пресли в ковбойской одежде. Она является уникальной, поскольку не прошла через массовое производство, как большинство работ Уорхола. В 2008 году «Восемь Элвисов» была продана за сто миллионов долларов США — она до сих пор остается одной из самых дорогих когда-либо проданных картин и считается одним из шедевров Уорхола.

Банан (1967)

360194

В 1965 году Уорхол становится менеджером известной американской рок-группы под названием The Velvet Underground, которая в то время еще не была популярной. В сотрудничестве с известным художником группа выпускает свой дебютный альбом, обложкой к которому стала эта иллюстрация в стиле поп-арт, изображающая банан, подпись Уорхола и фразу «Peel slowly and see» («Медленно очисть шкурку и смотри»).

Как сделать портрет в стиле поп-арт в фотошопе

Стиль поп-арт и сейчас очень популярен: в этом стиле не только рисуют картины, но и делают макияж для тематических вечеринок и праздников, рисуют бодиарт, а также стилизуют фотографии. Если вы тоже хотите сделать фото в стиле поп-арт, то в этом нет ничего сложного – вам понадобятся только фотошоп и цифровая фотография, которую вы и хотите преобразить.

Чтобы поп-арт портрет хорошо получился, лучше использовать фотографию, где человек изображен крупным планом или хотя бы по плечи.

 

 

 

Реализм в Европейском искусстве

Реализм

В середине XIX века происходит разрыв с романтической традицией, на смену которой приходит реализм — направление, которое наиболее ярко отражает противоречия той эпохи. Реализм развивался не в качестве противопоставления предшествующих направлений (классицизма, сентиментализма, романтизма), а как метод, вобравший в себя их достижения, который к середине столетия становится господствующим направлением в европейской культуре.

Реализм появился во Франции и Англии, в тех странах, где раньше, чем в других Европейских государствах, восторжествовали буржуазные идеи. Поэтому не случайно именно Франция и Англия дали лучшие произведения реалистической литературы. Так Виктор Гюго создал романы «Собор Парижской богоматери», «Отверженные», Чарльз Диккенс — «Домби и сына», «Тяжелые времена», Уильям Теккерей — «Ярмарку тщеславия», в которых ярко и правдиво показаны сущность и пороки капиталистического строя. Вторая половина XIX в. явила не менее блестящих писателей (Джон Голсуорси, Джорж Бернард Шоу, Ги де Мопассан и др.), а в последней трети века мировое значение приобрела норвежская литература (Генрих Ибсен, Кнут Гамсун и др.). [7]

Х1Х столетие оставило миру течения и стили в литературе и искусстве, которые оказали огромное воздействие на развитие культуры XX века. В то время как в романтизме главными видами творчества являлись поэзия и музыка, которые выражали все тайное и неизъяснимое, то при реализме процветает такой  жанр, как социально-исторический роман или картина.

Явления действительности представлены реализмом во всей их сложности, многогранности и богатстве эстетических свойств. Правдивость деталей и показ типических характеров, действующих в типических обстоятельствах, — вот главный принцип реализма.

Реализм проникает во все сферы искусства. Так, его вершиной в музыке XIX в. Является творчество великого итальянского композитора Джузеппе Верди (1813—1901), тесно связанное с итальянским освободительным движением. В таких оперных произведениях, как «Эрнани», «Макбет», «Битва при Леньяно», выражен протест против всякого насилия и угнетения..

Итальянские оперы вызвали к жизни новые принципы вокального и сценического исполнения: драматическую выразительность пения, актерское мастерство певца, историческую точность декораций и костюмов. В основе произведений  мастеров реализма — жизненно достоверные сюжеты; правдивое отображение душевного мира простых людей; эмоционально выразительная музыка, отсутствие высокой общественной идеи.

В изобразительном искусстве главной чертой реализма становится постижение социального характера человека, который характеризуется изображением социальных, психологических, экономических и прочих явлений, максимально соответствующим действительности.

Английские пейзажисты. Художники-реалисты середины XIX в.

Тернер, Бонингтон, Констебль

Романтически приподнятые пейзажи соз­дает Уильям Тёрнер (1775—1851). Он особенно любил изображать грозы, ливни, бури на море, яркие, пламенеющие закаты солнца. Тернер часто преувеличивал эффекты освещения и уси­ливал звучание цвета даже тогда, когда писал спокойное состояние природы. Используя тех­нику акварелистов, Тернер стал накладывать масляную краску очень тонким слоем и писал прямо на грунте, добиваясь радужных перели­вов тонов.

В технике акварели, столь излюбленной у английских живописцев, работал первона­чально Ричард Бонингтон (1802—1828). Страдая болезнью легких, художник подолгу жил на морском побережье во Франции. В морских пейзажах, исполненных маслом, простых и ли­шенных драматических эффектов, Бонингтон стремился уловить особенности солнечного освещения, сероватую дымку влажного воздуха.

Наиболее последовательно новое отношение к природе воплотил в своем творчестве Джон Констебль (1776—1837). Уже в 1802 г., отка­завшись от дальнейшего изучения старых мас­теров пейзажа, он заявил: «Теперь я хочу вер­нуться в деревню и попытаюсь писать природу так, как я ее вижу сам». Важным нововведением Констебля явились его большие (в размер кар­тины) эскизы маслом, замечательные по непо­средственности и тонкости наблюдений, по све­жести и богатству колорита. В них он сумел передать всю сложность внутренней жизни природы в ее повседневности, достигая этого самой техникой живописного письма. Он писал смелыми подвижными мазками, то густыми и шероховатыми, то более гладкими и прозрач­ными. Новаторская живопись Констебля ока­зала огромное влияние на произведения Дела­круа, а также и на все развитие французского пейзажа XIX в.

Искусство Констебля, так же как многие стороны творчества Жерико, знаменовало собой возникновение реалистического на­правления в европейском искусстве XIX в., которое первоначально развивается параллель­но с романтизмом.

Художники-реалисты середины XIX в.

Руссо, Дюпре, Добиньи, Коро, Милле, Домье, Курбе, Менцель

Начало реалистическому направлению во Франции положила пейзажная живопись ху­дожников так называемой барбизонской школы. В начале 1830-х годов группа художников-пейзажистов поселилась в деревушке Барбизон в 60 км от Парижа (отсюда название школы). Они рисовали сельские пейзажи. «Обыкновен­ная природа является неисчерпаемым мате­риалом для искусства», — утверждал глава барбизонской школы Теодор Руссо (1812—1867).

Руссо требовал глубокого изучения при­роды. Он делал точные эскизы с натуры, пере­нося их затем в свои картины.

Барбизонцы на­ходили поэзию во всем: в хмуром дне, в пред­грозовом затишье, в темном силуэте пахаря на фоне вечернего неба. Каждый из них созда­вал в своих пейзажах своеобразный портрет природы, у каждого из них была своя излюб­ленная тема. Жюль Дюпре (1811 —1889) писал главным образом несложные по мотиву пейза­жи и деревенские жанровые сцены, но его часто увлекали стихийные явления природы.

Излюбленными мотивами Диаса де ла Пенья (1807—1876) были лесные чащи с лужай­ками, а Тройон (1810—1865) предпочитал сель­ские виды со стадами животных.

Шарль Добиньи (1817—1878) подолгу работал, путешест­вуя в лодке по Сене и Уазе. Ему особенно уда­валась спокойная гладь воды, поля и селения, раскинувшиеся по берегам рек. Не принадлежа к кругу художников, осевших в Барбизоне, склонный к перемене мест, Добиньи даже оборудовал дом-мастерскую в лодке (об этом его ироничная офортная серия «Путешествие в лодке», 1862 год); мастер, тем не менее, органично вошел в русло их творчества. Однако на фоне искусства «коренных» барбизонцев вроде Т. Руссо его живопись выглядит более созерцательной и камерной: он, как правило, отказывается от сильных композиционных и световых эффектов, углубляясь в колористическую разработку воздушной среды, пронизанной тонкими цветовыми рефлексами.

Близок к барбизонцам был и один из круп­нейших пейзажистов XIX в. Камиль Коро (1796—1875).

Он был истинным поэтом приро­ды. Его интересовал тот или иной пейзаж в це­лом, настроение, которое он создает. «Я был всегда влюблен в прекрасную природу»,— го­ворил Коро.

Тонкое понимание красоты окру­жающего мира пронизывает все творчество пейзажиста. В отличие от большинства барбизонцев Коро не ограничивался пейзажами, он писал фигуры на фоне интерьера, а также портреты. Пользуясь различной светосилой того или иного тона, т. е. обратившись к живописи полутонами, Коро достиг замечательного бо­гатства цветового звучания.

Самым близким другом Теодора Руссо, рабо­тавшим с ним в Барбизоне, был Жан Франсуа Милле(1814—1875). Тема его творчества значи­тельна и важна — это изображение тяжелого сельского труда. Милле сам вышел из кресть­янской среды и долго жил в деревне, поэтому он хорошо знал жизнь своих скромных героев.

Его внимание привлекали то величавая фигура сеятеля, то уставший виноградарь с обожжен­ным от солнца лицом, то крестьянки, несущие из лесу вязанки хвороста, то освященные тра­дицией патриархальные обычаи и нравы. В кар­тине «Собирательницы колосьев» (1857) бедные женщины подбирают оставшиеся на поле колоски; их склоненные фигуры, тяже­ло ступающие по земле, олицетворяют трудо­любие и покорность судьбе. Живописи Милле свойственны приглушенный, сдержанный коло­рит, удивительный лаконизм композиции и обобщенная трактовка форм, контуры которых растворяются в мягкой светотени. Высокое мас­терство и монументальность образов делают ис­кусство Милле одной из вершин французского реализма 19 века.

Критика социальной несправедливости и протест против нее нашли свое выражение в искусстве замечательного французского гра­фика и живописца Оноре Домье (1808—1879).

Как график, Домье работал в технике лито­графии и был мастером политической карика­туры. Произведения художника, появлявшиеся в сатирических журналах, имели огромный общественный резонанс в 30 — 60-х годах XIX в. Домье создал свыше четырех тысяч ка­рикатур. Толстый Луи Филипп — король-бур­жуа, с головой, похожей на грушу; его реакци­онные министры — продажные уроды, заполнив­шие скамьи «законодательного чрева»; тупые мещане, корыстолюбивые «люди правосудия» — все они узнавали себя в обличительных лито­графиях Домье. Впервые сатирическая графика во Франции стала в его произведениях высо­ким искусством.

Домье никогда не работал с натуры, но об­ладал исключительной зрительной памятью. Утрируя отдельные черты персонажа, он за­острял внимание на самом характерном, в то же время не нарушая глубокую реалистичность образа.

Беспощадно разоблачая реакционность пра­вительственных кругов и пороки буржуазного строя, Домье умел создавать и положительные образы. Людям из народа — рабочим, прачкам, ремесленникам, бродячим актерам, музыкан­там — он посвящал и графические и живопис­ные работы. Художник создавал их для себя и никогда не выставлял при жизни.

Главой реалистического направления во французской живописи середины XIX в. был Гюстав Курбе (1819—1877). Демократическое искусство Курбе вызывало нападки со стороны представителей буржуазных кругов вплоть до того, что однажды Наполеон III чуть не ударил одну из картин художника хлыстом. Вкусам буржуазных завсегдатаев салонов (официальных выставок в Париже) Курбе противопостав­лял искусство, которое передавало нравы, идеи и облик эпохи. Курбе считал, что для картин не следует придумывать никаких сложных сю­жетов, а нужно лишь с достаточной убедитель­ностью изображать то, что видит художник вокруг себя. Он писал жанровые сцены, портре­ты, пейзажи, натюрморты, умея оттенками красок и характером мазков передать силу и крепость человеческой фигуры, разнообразную поверхность земли, пенящийся гребень морской волны.

Лучшие произведения Курбе были созданы в его родном городе Орнане. Однажды, когда художник возвращался к себе в Орнан, он уви­дел у обочины дороги сцену, которую и изобра­зил на картине, названной «Каменщики» (1849). Вот как он сам описывает содержание картины: «Перед нами старик семидесяти лет, сгорбленный под тяжестью работы, с поднятым молотком в руках… его штаны из грубой ткани все в заплатах… Рядом с ним юноша с головой покрытой пылью, с почерневшим лицом; сквозь рубашку, грязную и разорванную, просвечи­вают руки и спина… ремень поддерживает его штаны, а рваные заскорузлые ботинки печально улыбаются своими дырами. Старик стоит на коленях, юноша сзади, держа корзину с битым щебнем. Увы! Так начинают жизнь и так ее кончают…»

Последние слова художника раскрывают глубокий социальный смысл, который он при­давал своей картине. «Я хочу,— писал он да­лее,— поставить французское общество перед зрелищем тяжелого изнурительного труда и беспросветной жизни». Бесстрашие Курбе перед жизненной правдой и присущая ему сила худо­жественного воплощения самых обыденных яв­лений делают его одним из самых могучих пред­ставителей реалистического направления в жи­вописи.

Картина «Каменщики» находилась в Дрез­денской галерее, но погибла весной 1945 г.

В другом своем произведении Курбе изобра­зил церемонию похорон в Орнане («Похороны в Орнане», 1850). Враждебные ему официальные критики воз­мущались прозаичностью сюжета и не оценили мастерства, с которым художник создал целую галерею образов своих современников в момент мрачного события. Курбе справедливо утверж­дал, что «реализм есть по существу искусст­во демократическое». Верный своим прогрес­сивным убеждениям, он в 1871 г. без колебаний встал на сторону восставшего пролета­риата и активно участвовал в деятельности Парижской коммуны.

В Германии самым значительным художни­ком-реалистом XIX в. был Адольф Менцель (1815—1905). Удивительная зоркость глаза, умение подмечать все самое характерное, выра­зительность образов, острое чувство современ­ности и умение проникать в исторические собы­тия прошлого были свойственны Менцелю: на всем протяжении его длительной жизни. Отто­ченное мастерство Менцеля проявилось не толь­ко в живописи, но и в различных областях гра­фики — рисунке карандашом, акварелью, гу­ашью, в гравюрах на дереве. В картине «Железопрокатный завод» (1875, Берлин) он одним из первых обратился к теме труда промышленных рабочих.

Новые направления в европейской культуре конца XIX в.

Во второй половине XIX в. в Европе происходит утверждение буржуазной демократии, проявляются первые черты формирующегося массового сознания. Концентрация жителей в городах сопровождается динамизацией жизни, связанной с развитием промышленности, транспорта, средств связи, ускорением темпов общественной эволюции и научного прогресса.

Социальные и гуманитарные науки вынуждены были учитывать фактор массовости. Распределение и потребление искусства с середины XIX в. отличается, прежде всего, резко нарастающей демократизацией. Ведущее место заняла литература, развивается издательское дело, появляется масса новых журналов с невиданными ранее тиражами.

Главной пружиной распространения произведений искусства становится коммерческий интерес. Предприниматель старался угождать любым вкусам, поэтому поощрялось создание низкопробной и псевдохудожественной продукции. Именно в XIX в. начинается массовая культура со всеми ее противоречиями и пороками.

Отталкиваясь от реализма и романтизма, возникают новые художественно-эстетические теории: символизм, натурализм, импрессионализм.

Как новое направление в искусстве символизм сложился в Европе в конце XIX. Наиболее крупными представителями французского символизма были поэты Поль Верлен, Стефан Малларме, Артюр Рембо и др. Символизм получил распространение и в других странах: в Германии — в творчестве Стефана Георге, в Австрии — Гуго Гофмансталя и Райнера Марии Рильке, в Бельгии — Мориса Метерлинка Жоржа Роденбаха.

Символисты, сосредоточив свое внимание на художественном выражении посредством символов «вещей в себе» и идей, находящихся за пределами чувственного восприятия человека, стремились прорваться сквозь видимую реальность к «скрытым реальностям», сверхвременной идеальной сущности мира, его «нетленной» красоте[8]. Здесь уже со всей определенностью проявились ведущие тенденции современного искусства — тоска по духовной свободе, трагическое предчувствие социальных катастроф, недоверие к вековым культурным и духовным ценностям, мистицизм.

Трансформация, специфическая для конца XIX в., происходит с реалистической традицией — происходит перерождение реализма в натурализм.

Сторонники этого направления исходили из представления о полной предопределенности судьбы, воли, духовного мира человека социальной средой, бытом, наследственностью, физиологией. Литература натурализма, исследуя поведение человека, по своим методам пытается быть похожей на науку. Однако, натуралистическое направление в искусстве было неоднородным. Наряду с реалистическими, демократическими чертами нередко доминировали тенденции декадентства, со свойственной ему безнадежностью, аморализмом, упадком духа.

Под влиянием представителей живописи критического реализма (Курбе, Домье) появилось новое направление в искусстве — импрессионизм (от франц. impression— впечатление). Эстетические установки этого направления характеризовало желание соединить познавательные задачи с поиском новых форм выражения неповторимого субъективного мира художника, передать свои мимолетные восприятия, запечатлеть реальный мир во всей его изменчивости и подвижности. Его история сравнительно кратковременна — всего 12 лет (от первой выставки картин 1874 г. до восьмой в 1886 г.). Импрессионизм представлен в творчестве таких художников, как Клод Моне, Пьер Огюст Ренуар, Эдгар

Импрессионизм можно рассматривать и гораздо шире — как стиль, в котором отсутствует четко заданная форма, предмет запечатлен в отрывочных, мгновенно фиксирующих каждое мгновение штрихах, обнаруживающих, однако, скрытое единство и связь. В этом, более широком смысле, импрессионизм проявился не только в живописи, но и в других видах искусства в частности, в скульптуре.

В XIX в. творили такие известные скульпторы как Франсуа Рюд — создатель барельефа «Марсельеза» на Триумфальной арке в Париже, изображающего фигуру Свободы, ведущую за собой революционеров; анималист Барии — мастер реалистического скульптурного портрета Долу.

Влияние импрессионизма прослеживается в творчестве многих писателей, художников, композиторов, представляющих различные творческие методы, в частности, братьев Гонкур, К. Гамсуна, Р. М. Рильке, Э. Золя, М. Равеля, К. Дебюсси и др.

Заключение

К концу XIX в. завершился раздел мира между крупнейшими капиталистическими державами. В XIX столетии в странах романо-германской цивилизации сложилась новая социальная структура. Теряет былое господствующее положение дворянство, уступая его буржуазии. Формируется сильный интеллектуальный профессиональный слой, который начинает играть возрастающую роль в духовной жизни и занимает влиятельное положение в социальной структуре общества. Меняются социально-экономические условия, что приводит к существенным переменам в науке, литературе, искусстве. Бурный рост производства дал толчок развитию научных фундаментальных и прикладных исследований, особенно естественных и технических. Можно сказать, что ХIХ век в истории Европы стал временем практического воплощения в жизнь программы, разработанной эпохой просвещения. Если ХVIII век был веком разума, то ХIХ явился веком науки и техники, их стремительного и ошеломляющего прогресса. Машинный переворот, произведя замену мануфактуры фабрикой, ручного труда – машинным, обеспечил беспрецедентный рост производительной силы общественного труда, привел к образованию класса наемных рабочих – пролетариев. Таким образом, индустриальное устройство общества означало глубокую качественную трансформацию не только характера производства, но и преобладающих социальных структур и культуры общества. Великие сдвиги, происшедшие в XIX в. в развитии философии, науке и технике, оказали огромное влияние и на развитие литературы и искусства Европы.

В общем и целом этот век по своей атмосфере и внутреннему самоощущению человека, несмотря на все свои войны и социальные потрясения, был достаточно устойчивым и гармоничным, по сравнению с другими периодами. Не случайно, его называют «веком классики».

 

ИСТОРИЯ И РАЗВИТИЕ РОМАНТИЗМА В ЖИВОПИСИ

Романтизм в живописи – философское и культурное направление в искусстве Европы и Америки конца 18 – первой половины 19 веков. Основой для развития стиля послужил сентиментализм в литературе Германии – родины романтизма. Развивалось направление в России, Франции, Англии, Испании и других европейских странах.

ИСТОРИЯ

Несмотря на ранние попытки пионеров – Эль Греко, Эльсхаймера и Клода Лоррена, стиль, который мы знаем как романтизм, не наберет силу практически до конца 18 века, когда героический элемент неоклассицизма получил главную роль в искусстве того времени.Картины стали отображать героически-романтический идеал, основанный на романах того времени. Этот героический элемент в сочетании с революционным идеализмом, эмоциональностью, возник в результате Французской революции в качестве реакции против сдержанного академического искусства.романтизм, картины, художники, стили живописи

После Французской революции 1789 года, значительные социальные изменения произошли в течение нескольких лет. Европа была потрясена политическими кризисами, революциями и войнами. Когда лидеры встретились на Венском конгрессе, чтобы продумать план реорганизации европейских дел после наполеоновских войн, стало ясно, что надежды народов на свободу и равенство не были реализованы. Тем не менее, в течение этих 25 лет сформировались новые идеи, которые укоренились в сознании людей во Франции, Испании, России, Германии.

Уважение к личности, которая уже была ключевым элементом в неоклассической живописи, развивалось и укоренялось. Картины художников выделялись эмоциональностью, чувственностью в передаче изображения личности. В начале 19 века, различные стили стали проявлять черты романтизма.картины, стили живописи, художники, романтизм

ЦЕЛИ

Догматы и цели романтизма включали:

  • Возвращение к природе — примером чего является акцент на спонтанности в живописи, что демонстрируют картины;
  • Вера в доброту человечества и лучшие качества личности;
  • Справедливость для всех – идея была распространена в России, Франции, Испании, Англии.

Твердое убеждение в силе чувств и эмоций, которые доминируют над разумом и интеллектом.

ОСОБЕННОСТИ

Характерные черты стиля:

  1. Идеализация прошлого, доминирование мифологической тематики стала ведущей линией в творчестве 19 века.
  2. Отказ от рационализма и догм прошлого.
  3. Повышенная выразительность при помощи игр света и цвета.
  4. Картины передавали лирическое виденье мира.
  5. Повышение интереса к этническим темам.

Романтичные художники и скульпторы, как правило, выражают эмоциональную реакцию на личную жизнь, в отличие от сдержанности и универсальных ценностей, пропагандируемых неоклассическим искусством. 19 век стало началом развития романтизма и в архитектуре, что подтверждают изысканные викторианские строения.

ОСНОВНЫЕ ПРЕДСТАВИТЕЛИ

Среди величайших живописцев-романтиков 19 века были такие представители И.Фюссли, Франсиско Гойя, Каспар Давид Фридрих, Джона Констебль, Теодор Жерико, Эжен Делакруа. Романтическое искусство не вытесняло неоклассический стиль, а функционировало как противовес догматичности и жесткости последнего.романтизм, стили живописи, картины, художники

Романтизм в русской живописи представлен работами В.Тропинина, И.Айвазовского, К.Брюллова, О.Кипренского. Живописцы России стремились передать природу максимально эмоционально.
Предпочтительным жанром среди романтиков был пейзаж. Природа рассматривалась как зеркало души, в Германии она также рассматривается как символ свободы и безграничности. Изображения людей художники помещают на фоне сельской местности или городского, морского пейзажа. В романтизме в России, Франции, Испании, Германии изображение человека не доминирует, а дополняет сюжет картины.картины, стили живописи, художники

Популярны ванитас мотивы, такие как мертвые деревья и заросшие руины, символизирующие быстротечность и конечную природу жизни. Подобные мотивы имели место ранее в барочном искусстве: художники заимствовали работу со светом и перспективой в подобных картинах у барочных живописцев.

Цели романтизма: художник демонстрирует субъективный взгляд на объективный мир, и показывает картину, отфильтрованную через его чувственность.

В РАЗНЫХ СТРАНАХ

НЕМЕЦКИЙ РОМАНТИЗМ 19 ВЕКА (1800 — 1850)

В Германии молодое поколение художников реагировало на меняющиеся времена процессом самоанализа: они отступили в мир эмоций, их вдохновляли сентиментальные стремления к идеалам прошлых времен, в первую очередь, средневековой эпохи, которая в настоящее время рассматривается как время, в котором люди жили в гармонии с собой и миром. В этом контексте, картины Шинкеля, например, «Готический собор на воде», являются репрезентативными и характерными для периода.стили живописи, романтизм, художники, картины

По тяге к прошлому романтические художники были очень близки к неоклассицистам, за исключением того, что их историзм критиковал рационалистические догмы неоклассицизма. Неоклассические художники ставили такие задачи: смотрели в прошлое, чтобы оправдать их нерациональность и эмоциональность, сохраняли академические традиции искусства в передаче реальности.

ИСПАНСКИЙ РОМАНТИЗМ 19 ВЕКА (1810 — 1830)

Франсиско де Гойя был бесспорным лидером романтического движения искусства в Испании, его картины демонстрируют характерные черты: склонность к иррациональности, фантазии, эмоциональность. К 1789 году, он стал официальным живописцем испанского королевского двора.романтизм, стили живописи, картины, художники

Гойя. Франсиско Хосе де Гойя-и-Лусьентес(Francisco Josе de Goya) 1746-1828 г.г. — испанский художник и гравёр, один из первых и наиболее ярких мастеров изобразительного искусства времён эпохи романтизма. Гойя был очень плодотворным художником, замеченным ещё в молодости. Колоссальное трудолюбие позволило ему работать вплоть до глубокой старости и, за свою жизнь, он оставил нам множество прекрасных произведений. Точность его портретов позволяет нам увидеть облик испанской знати и взгляд художника на ряд исторических событий.

Гойя отличается смелым художественным новаторством от сторонников академизма. Постоянный интерес к гротеску, создание офортов высмеивающих социальные и религиозные порядки в обществе.

Первые картины Франсиско Гойя в этом жанре были парадными Франсиско Гойя. Карл III в костюме охотника(«Карл III на охоте»),

с течением времени они приобрели легкость и ощутимую иронию по отношению к моделям («Маркиза Анна Понтехос»).

Новое видение действительности художником и его критический подход к ней прослеживаются в более поздних работах мастера. Например, «Портрет королевской семьи» (1800) изображает Карла IV с его близкими, чопорные и высокомерные лица которых художник даже не пытался приукрасить. Мастер достоверно передает отталкивающую внешность, духовную нищету и ничтожество правящей верхушки, не скрывая свою неприязнь к испанским монархам.

На новом этапе творчества Гойи (1797-1801) наслаждение естественной жизненной стихией сменяется углубляющимся интересом к социальному бытию человека, растущим неприятием уродств и несправедливости феодально-клерикального обществ.

Солнечное сияние надолго оставляет гойевское искусство; в нем борются теперь свет и мрак. На смену улыбчивости «эпохи гобеленов» приходит грозный и непочтительный смех «эпохи «Капричос» («Капризы»).

В этой созданной в два этапа серии из восьмидесяти офортов Гойя не только обрушивается на людские пороки — легковерие, легкомыслие, трусость, притворство, приспособленчество, тупую жестокость, желание жить чужим умом и т.п.

Капричо

Капричо №43:
«Сон разума рождает чудовищ»

Капричо

Капричо №79:
«Нас никто не видит»

Всю жизнь, за свой талант и трудолюбие Франсиско Гойя признан в высшем свете. Постоянно пользуется покровительством представителей самых знатных семейств Испании. Хотя в юности он получил поверхностное образование (Гойя всегда будет писать с ошибками). Его плодотворное творчество на протяжении всей долгой жизни, постоянное стремление к знаниям и самосовершенствование продолжалось до самой поздней старости (невзирая на болезни), являя наглядный пример безграничного трудолюбия талантливого человека.

ФРАНЦУЗСКИЙ РОМАНТИЗМ 19 ВЕКА (1815 — 1850)

После наполеоновских войн Французская республика вновь стала монархией. Это привело к огромному толчку романтизма, которое до сих пор сдерживалось доминированием неоклассиков. Французские художники эпохи романтизма не ограничивали себя пейзажным жанром, они работали в жанре портретного искусства. Наиболее яркие представители стиля – Э.Делакруа и Т.Жерико.Eugène_Delacroix_-_La_liberté_guidant_le_peuple

Эже́н Делакруа́ (1798 — 1863) — французский живописец и график, глава романтического направления в европейской живописи.
Но настоящими университетами для Делакруа стали Лувр и общение с молодым живописцем Теодором Жерико. В Лувре он очаровался работами старых мастеров. В то время там можно было увидеть немало полотен, захваченных во время Наполеоновских войн и ещё не возвращенных их владельцам. Больше всего начинающего художника привлекали великие колористы — Рубенс, Веронезе и Тициан. Но самое большое влияние оказал на Делакруа Теодор Жерико.

Эжен Делакруа. Ладья Данте. 1822.
Эжен Делакруа. Ладья Данте. 1822.

Эжен Делакруа. Резня на Хиосе. 1824.
Эжен Делакруа. Резня на Хиосе. 1824.

Делакруа. Казнь дожа Марино Фальери. 1826
Делакруа. Казнь дожа Марино Фальери. 1826

Делакруа. Смерть Сарданапала. 1827
Делакруа. Смерть Сарданапала. 1827

В июле 1830 Париж восстал против монархии Бурбонов. Делакруа симпатизировал восставшим, и это нашло отражение в его «Свободе, ведущей народ» (у нас это произведение известно также под названием «Свобода на баррикадах»). Выставленное в Салоне 1831 года, полотно вызвало бурное одобрение публики. Новое правительство купило картину, но при этом немедленно распорядилось снять ее, слишком уж опасным казался ее пафос.

Делакруа. Свобода, ведущая народ. 28 июля 1830. Салон 1831.
Делакруа. Свобода, ведущая народ. 28 июля 1830. Салон 1831.

Делакруа. Алжирские женщины. 1834
Делакруа. Алжирские женщины. 1834

РОМАНТИЗМ В АНГЛИИ (1820 – 1850)

Теоретиком и наиболее ярким представителем стиля был И.Фюсли.
Джон Констебль принадлежал к английской традиции романтизма. Эта традиция была в поиске баланса между глубокой чувствительностью к природе и прогрессом в науке живописи и графике. Констебль отказался от догматичного изображения природы, картины узнаваемы, благодаря использованию для передачи реальности цветовых пятен, что приближает творчество Констебля к искусству импрессионизма.стили живописи, романтизм, картина, художник

Картины Уильяма Тернера, одного из величайших английских художников романтизма, отображают тягу к наблюдению природы как одному из элементов творчества. Настроение его картин создается не только тем, что он изобразил, но и тем, как художник передал цвет и перспективу.

ЗНАЧЕНИЕ В ИСКУССТВЕ

Романтический стиль живописи 19 века и его особые черты стимулировали появление многочисленных школ, таких как: Барбизонская школа, пленэрной ландшафтов, в Нориджская школа пейзажистов. Романтизм в живописи повлиял на развитие эстетизма и символизма. Самые влиятельные живописцы создали движение прерафаэлитов. В России и странах Западной Европы романтизм оказал влияние на развитие авангарда и импрессионизма.

Искусство первой половины ХIХ века

Вводная лекция по Искусству первой половины ХIХ века

К началу 19 века европейская цивилизация подошла с большим багажом накопленных знаний и достижений в науке и культуре, век просвещения привел европейского человека к осмыслению своего места в мире. Эпоха жеманных дам и галантных кавалеров, кружевных манжет и напудренных париков сменилась эпохой рационального мышления и практичности.

Искусство первой половины ХIХ века занимает особое место в Европейской культуре. Это был век активных социальных преобразований и быстрого развития промышленности, которое повлекло за собой развитие новых направлений человеческой мысли, естественных наук, становление буржуазных свобод.

XIX в. в европейской литературе и искусстве — период появления произведений, ставших огромным достоянием культуры, хотя факторы, повлиявшие на основные процессы и направления художественного творчества, были разнообразны. Они включали изменения в политической жизни, социальном развитии, религиозном аспекте.

Cтремительный скачок науки в связи с буржуазными революциями повлек за собой становление различных, можно сказать диаметрально противоположных позиций: с одной стороны — установление и утверждении ценностей буржуазного образа жизни, с другой — критическое неприятие этого зародившегося буржуазного общества. Отсюда — появление основных, столь несходных, явлений в культуре XIX века как романтизм и реализма.

Три фактора сделали возможным создание особого культурного лица 19 века: демократия, экспериментальная наука и индустриализация (второй  и третий можно объединить под одним словом техника). Ни один из этих факторов не был созданием века, но именно 19 столетие провело их в жизнь, полностью изменив жизнь общества во всех ее сферах: экономике, политике, в социальной сфере, в искусстве, и, что важно, в сфере морали.

Развитие науки в XIX веке подошло к тому рубежу, когда нравственные ценности и цели собственно человеческой жизни стали сдерживающими факторами, — и от них просто отказались, заменив другими, созвучными времени. Именно эта замена ценностиных ориентиров и вызвала наибольший кризис в культуре и искусстве, так как культурная и творческая среда человечества не могла и не хотела принимать новые нормы буржуазной жизни. С другой стороны – в обществе уже назрел отказ от старых идеалов, реализация которых привела к войнам, революциям и кризисам.

В начале 1830-х годов наступает переход к господству материальной стороны личности. А конец 1840-х – 1850-е годы стали временем утверждения атеизма, как господствующего идеологического направления, и выдвижением на первый план конкретной человеческой личности, взятой в качестве основы мира и решительным образом не терпящей рядом с собой никакого Бога.

Происходит постепенная замена “личностной” культуры на “массовую”. Она затронула все ее сфе­ры: экономику и политику, управление и общение людей. Очень важным становится требование “быть как все”. В системе человеческих отношений доминирующим становится принцип «равенства возможностей», гласящий, что богатство может принадлежать любому человеку, а не только тем, кто относится к высшим слоям общества. Остается это богатство только заработать.

Важной характеристикой общества 19 века является отношение к богатству. Оно не рассматривается теперь как нечто естественное и данное человеку свыше. Его можно и нужно заработать самому. Это становится смыслом жизни, и постепенно проникает во все сферы человеческого бытия. Божий закон заменяется принципом наивозможного большего счастья, а счастье определяется количеством денег. Деньги играли важную роль и раньше, но в дворянско-рыцарские времена к ним не положено было проявлять интерес, их следовало не замечать, так как богатство было дано вместе с титулом Богом. Буржуазное же мировосприятие все переводит на деньги.

В начале XIX в. еще сохранял свои ведущие позиции классицизм, продолжавший традиции Возрождения, однако неприятие буржуазного образа жизни, протест против бездуховности и эгоизма капиталистических отношений нашли отражение в романтизме, на смену которому через некоторое время пришел реализм.

19 век в истории европейской культуры прославился не только выдающимися достижениями в области науки  и техники, но частыми радикальными переменами в сфере художественной культуры. Характерной чертой искусства 19 столетия является отсутствие какой-либо единой эстетической доминанты – видовой, родовой, жанровой. Одно значительное  художественно стилевое направление сменяло другое, отражая стремительность эпохи. На смену рационализма Просвещения  пришла эмоциональность, экзальтированность и иррациональность романтизма – идейно-художественного  направления в европейской культуре начала 19 века, связанного с абсолютизацией чувственного начала  и интересом к неординарным  проявлениям человеческого характера, последнего крупного целостного культурного образования. А вслед за романтизмом пришел реализм, отражающий чаянья общества 19 века.

В развитии культуры 19 века можно выделить две основные эпохи:

  • –          эпоху романтизма и реализма (первая половина века).
  • –          эпоху декаданса (с конца 50-х годов до первой  мировой войны).

Рассмотрим первую эпоху подробнее.

Стили и направления искусства первой половины 19 века.

Ампир – стиль позднего классицизма в западно-европейской архитектуре и декоративно-прикладном искусстве первой трети 19 в., отличающийся пышностью и великолепием, возникший во Франции в период империи Наполеона 1. Для ампира характерны строгость и ясность форм, стилизованных под древнеримское искусство.

Декоративное решение стиля Ампир преобладает над конструктивным.

Опирается на художественное наследие архаической Греции и императорского Рима. Он черпает из него мотивы для воплощения величественной мощи: монументально массивные портики (дорического и тосканского ордеров), военная эмблематика в архитектурных деталях и декоре (воинские доспехи, лавровые венки, орлы и т.д.). Древнеегипетские архитектурные и пластические мотивы: большие нерасчлененные плоскости стен и пилонов, массивные геометрические объемы, египетский орнамент, стилизованные сфинксы и т.п.

Стиль Ампир выражает эстетические вкусы крупной буржуазии и прославляет военные подвиги Наполеона. Целям прославления успехов государства служит мемориальная архитектура (триумфальные арки, памятные колонны), иногда повторявшая древнеримские образцы (повторение арки Септимия Севера в Риме — арка на площади Каррусель в Париже).

Романтизм – направление в европейском и русском искусстве 1820-1830-х гг., сменившее классицизм и выдвинувшее на первый план индивидуальность, «несовершенную» действительность. Художников привлекали яркие, редкие, необычные явления, а также образы фантастического характера. В искусстве романтизма большую роль играют острое индивидуальное восприятие и переживание. Благотворная роль романтизма заключалась в том, что он способствовал освобождению искусства от отвлечённых классических догм, повороту искусства к национальной истории и образам народного фольклора.

Живопись. В портретном жанре стили выявляться яркая индивидуальность, глубина и сила чувств, неповторимость персонажа. Придавали композиции динамику, объединяли формы бурным движением, усиливали роль колорита с контрастами тёплых и холодных тонов, света и тени. свобода самовыражения, повышенное внимание к индивидуальным, неповторимым чертам человека, естественность, искренность и раскованность, пришедшие на смену подражанию классическим образцам 18 века. Художники Романтизма: Тернер, Делакруа, Мартин, Брюллов

В архитектуре – в садово-парковом искусстве и архитектуре малых форм (гроты, беседки, павильоны). Романтизм способствовал возникновению барбизонской школы во Франции, дюссельдорфской школы в Германии, прерафаэлитов в Англии. В России предшествовал критическому реализму. Развитие классицизма и романтизма в архитектуре совпало с началом использования новых конструкций, строительных материалов и строительных методов. Происходит переоценка архитектуры средних веков и признаются технические и художественные достижения готики. Романтизм предлагает сложный силуэт, богатство форм, свободу планировочного решения, в котором симметрия и другие формальные композиционные принципы теряют господствующее значение.

Романтизм способствовал возникновению барбизонской школы во Франции, дюссельдорфской школы в Германии, прерафаэлитов в Англии. В России предшествовал критическому реализму.

Критический реализм:

— глубже чем романтизм, чувствовал несовершенство социальной жизни;

— не рассматривал человека вне его социальной среды;

— не использовал субъективные методы отражения реальности, такие как символика, аллегоризм, метафоричность;

— человек понимается в целостности с конкретными условиями социальной среды и особенностями исторической эпохи.

Живопись: В рамках направления формируются новые жанры — бытовая картинка, пейзаж, натюрморт, портрет в жанре реализма. Главная особенность критического реализма — изображение человеческого характера в органической связи с социальными обстоятельствами, наряду с глубоким социальным анализом внутреннего мира человека Методом критического реализма широко пользовались художники-передвижники (И. Крамской, И.Репин, В.Суриков, В.Маковский, А.Саврасов, И.Шишкин, В.Васнецов, А.Куинджи, И.Левитан, В.Поленов…)

Европейский реализм: пейзажи Т. Руссо, графика О. Домье, «крестьянская живопись» Ж. Милле, многожанровое творчество Г. Курбе.

Классицизм же переродился в безжизненный академизм и возродился в виде неоклассицизма уже во второй половине 19 века.

Заключение

XIX век был революционным в истории европейской культуры. Было создано новое пространство существования человека и в материальной, и в социальной, и в духовной жизни человека. Этому способствовали: переворот в науке и промышленности, либеральная демократия и новая философия.

Теряет былое господствующее положение дворянство, уступая его буржуазии. Формируется сильный интеллектуальный профессиональный слой, который начинает играть возрастающую роль в духовной жизни и занимает влиятельное положение в социальной структуре общества. Меняются социально-экономические условия, что приводит к существенным переменам в науке, литературе, искусстве. Бурный рост производства дал толчок развитию научных фундаментальных и прикладных исследований, особенно естественных и технических. Можно сказать, что ХIХ век в истории Европы стал временем практического воплощения в жизнь программы, разработанной эпохой просвещения. Если ХVIII век был веком разума, то ХIХ явился веком науки и техники, их стремительного и ошеломляющего прогресса. Кризис перехода к новому сознанию пришелся на первую половину 19 века.

Средоточием системы ценностей европейской культуры XIX. в. был и остается Человек. Само понимание человека претерпело сложную эволюцию от богоподобного человека античности до свободной личности Нового времени. Новые мировоззренческие течения XIX в. выдвинули проблемы человека как существа социального, биологического и в то же время уникального, непостижимого в своей тайне. К характерным признакам Нового времени относится не только развитие национальных культур, но и резкое расширение международного культурного обмена и сложение общеевропейской культуры.

 

Рококо

   Рокайль (фр.rocaille) – начнём с этого слова. Так издавна во Франции называли украшения в виде грубо обработанных камней и раковин, которыми декорировали садовые гроты и фонтаны. Ещё в XVI столетии мастера этого дела были известны как рокайлеры. Позднее этим словом стали обозначать всяческие формы, напоминающие украшения подобного рода. Постепенно слово приобрело специфическое, присущее только ему, понятие: каприз природы, прихоть воображения, нечто необыкновенное, причудливое, вычурное. Отсюда термин rococo. (С.М.Даниель «Рококо.От Ватто до Фрогонара»)

Основные характеристики стиля Рококо. Архитектура. Интерьер.
   Во всемирной истории и истории искусства XVIII-ое столетие отсчитывается с 1715 г., со дня смерти Людовика XIV Людовик XIV де Бурбон. В последние годы Короля-Солнца Версаль, некогда утопавший в роскоши и увеселениях, затих. Вместо балов, маскарадов и карточных игр до рассвета теперь устраивались торжественные богослужения и религиозные диспуты. Придворные томились и скучали, замерев в ожидании. Король умер. Правителем Франции – регентом, до совершеннолетия будущего Людовика XV, стал герцог Филип Орлеанскийпринц Шартрский, герцог Орлеанский, регент Франции 1701 — 1723, дядя 9-тилетнего наследника престола, человек яркий, противоречивый, умный, циничный, амбициозный. Начался новый век.
The Reading from Moliere, c.1728. Jean Francois de Troy
   Стиль в искусстве, возникший во Франции в первой половине XVIII века, во время правления регента Филиппа Орлеанского – отчасти продолжает черты, унаследованные от барокко, но сильно их видоизменяет. Стиль Рококо возник в период кризиса абсолютизма, отразив свойственные аристократии гедонистические настроения, тяготение к бегству от действительности в иллюзорный и идиллический мир театральной игры. Рококо — порождение исключительно светской культуры, двора, французской аристократии. Тем не менее, оно сумело не только оставить след в искусстве, но и повлиять на дальнейшее ее развитие.
Версаль
Антуан Ватто. Вывеска лавки Э.Ф. Жерсена.(1720).<br/>Бытовая сцена с изображением интерьера лавки где<br/> приказчики упаковывают в ящик портрет короля Людовика XIV<br/> — ассоциация забвения ушедшего века.

Антуан Ватто. Вывеска лавки Э.Ф. Жерсена.(1720).
Жан-Батист Мартен, Версаль в 1722 г.

Жан-Батист Мартен, Версаль в 1722 г.
   Герцог Орлеанский не любил официальных церемоний, многолюдных празднеств, презирал этикет, предпочитал проводить время в кругу близких друзей, знал толк в еде и выпивке. Эпикурейский вкус (главный интерес для эпикурейцев представляет чувственный мир, поэтому их основной этический принцип — удовольствие) регента воплотился в светлых и интимных интерьерах Пале-Рояля, новой парижской резиденции. Убранство в стиле регентства не столько впечатляло, сколько доставляло удовольствие и забавляло. Мягкая манящая мебель с закруглёнными углами вытеснила масивные дубовые шкафы и бюро из чёрного дерева. Новинка нового стиля – шёлковые ширмы, создавали интимные уголки, а небольшие диванчики на двоих обещали приятную беседу, фарфоровая посуда радовала взгляд нежнейшими цветами и изящными формами. Фамильные особняки, как образцы нового вкуса и соответственно обставлялись: появились ванные и туалетные комнаты, овальные кабинеты и столовые в китайском вкусе.
Пале-Рояль

Жан-Батист Мартен, Версаль в 1722 г.

Филипп Орлеанский с молодым Луи XV (ок.1718г.)
   Центром формирования новой культуры XVIII века стал не дворцовый парадный интерьер, а салон. Вместо огромных парадных залов барокко появляются небольшие нарядные салоны рококо. Стиль рококо не внёс в архитектуру никаких новых конструктивных элементов, но пользовался старыми, не стесняя себя при их употреблении никакими традициями и имея в виду, главным образом, достижение декоративной эффектности. Архитектура рококо стремится быть лёгкой, приветливой, игривой во что бы то ни стало; она не заботится о целесообразности форм частей сооружения, а распоряжается ими как угодно, по велению каприза, избегая строгой симметричности.
Франсуа Буше.«Завтрак»(1739)
   Скрытые павильоны, китайские домики, укромные гроты. Камерность и уютность помещений рококо создавалась за счет гораздо меньших размеров и особого декорирования. Характерными чертами рококо являются изысканность, большая декоративная нагруженность интерьеров и композиций, грациозный орнаментальный ритм, большое внимание к мифологии, эротическим ситуациям, личному комфорту. Цвета приоритетные в этот период — приглушенные, пастельные, разбеленные: жемчужный, серебристый, бледно-охристый, перламутровый, лёгкий голубой и зеленоватый, пастельно-розовый. Сочетание ажурных форм, сложного орнамента и прозрачных, светлых красок порождало праздничное, действительно феерическое зрелище.
Мир миниатюрных форм нашел свое главное выражение в прикладном искусстве — в мебели, посуде, бронзе, фарфоре, а в архитектуре преимущественно в характере декора, который приобрёл манерно-утончённый, подчёркнуто изящный и усложнённый вид. Важным в интерьере теперь было не пышное и величавое, а приятное и удобное. Здания, сооружаемые в этот период, как правило, строго классические по экстерьеру. Внутри же стены разбиты филенками, нишами, обильно украшены живописью, лепниной, позолотой, мелкой пластикой, декоративными тканями, бронзой, фарфором, зеркалами.
   Большинство оконных проемов, зеркала и декоративные панно над окнами также имели круглую или овальную форму. Большое внимание уделяется шторам. Поскольку стены обтягивались дорогими привозными тканями, шторы делались из этих же тканей. Рококо — стиль, основанный на детали. Модным словом становится «bagatelle» (фр. пустяк, безделушка). При Людовике XV стены покоев стали покрывать резными узорами небывалого изящества, паутиной орнаментов, расписывать цветочными гирляндами, фигурками птиц, животных, резвых амурчиков, пастушек, причудливо завитых раковин. Камерный стиль – никаких пугающих трофеев, никаких алебард, мушкетов и шпаг. Если стрела – то бога Амура, если птица – голубь, вестник богини Венеры. Легкомысленная эпоха с удовольствием рассматривала себя в зеркале, отражавшим иллюзию вечного праздника. Великолепные венецианские и французские зеркала вешали на стены, помещали на потолках, ставнях, створках комодов. Пол натирался до зеркального блеска.
    Мода рокайля оставила свой самый заметный след не в крупных монументальных формах, а в предметах интерьера и аксессуарах. Именно в эпоху рококо впервые возникает представление об интерьере, как целостном ансамбле: стилевом единстве здания, декора стен, потолков и мебели.
Версаль

 

В эпоху рококо строили сравнительно небольшие и внешне простые здания — дворцы и жилые дома для одной семьи. Стены их маленьких салонов и будуаров покрывали светлыми панелями или зеркалами, которые обрамляли декоративные изящные композиции из цветов, ветвей и листьев. Мягкие пастельные жемчужно-серые, золотистые или серебряные тона, блестящие плоскости зеркал, тихо позванивающие хрустальные люстры делали эти комнаты похожими на музыкальные шкатулки. Часто предметы и украшения имели капризно ассиметричную форму. Повсеместно использовался мотив раковины — это часть поверхности стены или предмета в резной раме причудливо извилистых очертаний.

В моду вошли также всевозможные украшения в китайском вкусе, это были подражания изделиям китайского художественного ремесла, завезенным в Европу.

Обитые светлыми тканями стулья и кресла с выгнутыми ножками, легкие маленькие комоды, секретеры и другие предметы обстановки напоминали игрушки. И женщины, и мужчины носили шелковые одежды нежных тонов, кружева и напудренные парики, у женщин — с завитыми в спирали локонами, у мужчин — с косичками. Дамы затягивали талию до предела, а широченные юбки напоминали сноп. Такую неудобную одежду могли носить только люди, не занятые никаким трудом. Именно такую жизнь — праздную, беззаботную и легкомысленную — изображали художники того времени.

В живописи предпочтением пользовались светлые тона — розовые, голубые, вибрирующий свет, таинственные пейзажные фоны; наряду с масляными красками часто пользовались пастелью. Особенно часто в картинах рококо изображали пастухов и пастушек. Но это не были изображения людей из народа, а условные пастушеские сцены, разыгранные переодетыми аристократами.

В скульптуре также господствовали легкость, мягкость и грация — долгой чередой повторяются купальщицы, путти и амурчики — божки любви в виде крылатых мальчиков.

Эпоха рококо принесла новые веяния и в пректирование парков. В противоположность симметричному и регулярному парку эпохи барокко, который называют французским, возник подражающий живой природе парк с извилистыми дорожками и как бы случайно разбросанными купами деревьев, т.н. английский парк (хотя на самом деле эта идея возникла в Китае).

Живопись рококо

В живописи рококо очевиден уклон в пасторальность (поэтизация мирной и простой сельской жизни, что станет главным в сентиментализме). Популярны мотивы пастушеской жизни, изображение свободных, не обременённых житейскими тяготами людей на фоне природы (обязательно – прекрасный пейзаж). Ярким представителем художественной культуры рококо был французский художник Франсуа Буше.

Рококо

Портрет Франсуа Буше кисти Густава Лундберга

Рококо

Ф. Буше «Пейзаж с отшельником» (1742). Музей изобразительных искусств им. А.С. Пушкина (Москва)

Картина иллюстрирует эпизод новеллы Лафонтена «Отшельник». Юноша задумал соблазнить красивую робкую деревенскую девушку и поселяется неподалеку под видом отшельника. Ему удается убедить мать девушки в своей святости, и та сама отводит к нему дочь послушать его благих поучений. В этой оригинальной трактовке произведения Лафонтена главное место занимает пейзаж.
Буше не был портретистом, но часто писал свою покровительницу, фаворитку Людовика XV мадам де Помпадур. Она изображена с книгой в своём изысканно обставленном будуаре.

Рококо

Ф. Буше «Портрет маркизы де Помпадур» (ок. 1750)
В России в эпоху рококо работали художники Ф. Рокотов и А. Антропов. Портрет Екатерины II исполнен в традиции рококо.

Рококо

Ф. Рокотов «Коронационный портрет Екатерины II» (1763)

Рококо в музыке

Здесь прежде всего следует сказать о творчестве великих французских клавесинистов Франсуа Куперена и Жана Филиппа Рамо. Для стиля рококо в музыке характерны те же черты, что в живописи и в архитектуре: множество мелких звуковых украшений и завитков (мелизмов), преобладание маленьких форм, галантных образов, отсутствие драматических эффектов. Клавесин был особенно популярен в эпоху рококо. Это небольшой инструмент с негромким и недолгим звуком, который требовал большого количества нот для длительного звучания пьесы. Клавесин обязательно был украшен богатой отделкой.

Рококо

Клавесин XVII в.
Крупные музыкальные формы (оперы, балеты) состояли из небольших номеров, обычно связанных между собой. Наиболее известные произведения того времени: «Галантная Индия» Ж.Ф. Рамо, «Венецианские празднества» и «Галантная Европа» Кампра. Популярным был и жанр пасторали с галантными пастухами и пастушками.
В инструментальной музыке также господствовала портретно-пейзажная, пасторальная или танцевальная миниатюра. Музыка звучала на светских приёмах и во время еды, танцев, поэтому возникали всё новые выдумки и развлекательные приёмы: имитации, звуковые изображения и т.д.

Декоративно-прикладное искусство эпохи рококо

Стиль рококо проявился во всех отраслях художественно-промышленных производств того времени, особенно в производстве изделий из фарфора. Фарфор был открыт в 1708 г. и получил особую популярность. Наиболее знаменитой была мануфактура в Севре, где работал Этьен Морис Фальконе. В работах, исполненных по заказу мадам де Помпадур, фаворитки Людовика XV, он старался следовать господствовавшей при дворе моде на искусство рококо.

Рококо

Э. Фальконе «Грозящий Амур» (1755). Мрамор (Лувр, Париж)

Статуи Э. Фальконе «Музыка», «Амур», «Купальщица» полны рокайльной изысканной грации и изящества без жеманства.
Одним из шедевров Фальконе считают статую «Зима». Сидящая девушка, олицетворяющая зиму, прикрывает плавно спадающими складками одеяния цветы у ног. Она полна тихой мечтательной грусти. Чаша у её ног расколась от замерзшей воды. «Это, может быть, самая лучшая вещь, какую я мог сделать, и я смею думать, что она хороша», — писал Фальконе.

Рококо

Э. Фальконе «Зима» (1771). Мрамор (Эрмитаж)

Появляются новые предметы мебели: консольные столики, секретеры, бюро, комоды, шифоньеры.
Кресло в стиле Людовика XV

Мода эпохи рококо

В эту эпоху произошло приближение мужской моды к типично женским образцам. Утончённый придворный франт и хрупкая стройная жеманница – вот люди эпохи рококо.

РококоРококо

Причёски эпохи рококо

Осиная талия, узкие бёдра, хрупкие плечи, круглое лицо, пышные юбки, постепенно «растущая» до знаменитых «фрегатов» и «садов» – идеал женской красоты. Ну и конечно же – румяна, пудра и духи.

Рококо

Мужчины отпускали с боков букли, а сзади носили длинную косу. В моде были белые напудренные парики, с закрученными с боков буклями, косичкой и бантом сзади.
Основным типом мужской одежды оставался жюстокор, со времен моды барокко, но позже его стали называть аби.

Рококо

Герцог Мединаселли в жюстокоре

Под него надевали камзол. Носили белоснежные рубашки, кружевные жабо и шейные платки. В качестве головного убора популярной оставалась треуголка.

Литература эпохи рококо

Стиль рококо в литературе получил наибольшее распространение во Франции XVIII в. Литературные произведения отличались утончённым изяществом, лишённым гражданско-патриотических мотивов. Актуальными становятся идеи гедонизма (этическое учение, согласно которому высшим благом и целью жизни является удовольствие). Идеи гедонизма становятся основой творчества многих поэтов и писателей, создававших свои произведения в стиле рококо. Формы литературных произведений в основном малые: пасторали, комедии масок, эротические поэмы, игривые стихи и новеллы, галантные романы и сказки Луве де Кувре, графа Кейлюса и др.
Лирика в основном проявилась в форме игривых посланий, мадригалов, сонетов и эпиграмм (Эвариста Парни, маркиз де Лафар и др.). Особенно рококо в литературе получило распространение в Италии и Германии.

ИТАК: РОКОКО

Это художественное направление прекрасно иллюстрирует вкус французского высшего общества в то время, подытоженный словами Э. Шатле: «Нам нечего делать в мире, кроме поиска приятных ощущений и чувств». Рококо – замена барокко, его смысловая противоположность:

  • Рококо – презентация праздности, направление существовало вне практичности, в нем не было места патриотизму, экономии или функциональности. Целью этого направления в искусстве было украшение домов, подчеркивание роскоши и богатства. Существовал спрос на всевозможные средства украшения интерьера, поэтому направление быстро проникло в скульптуру, дизайн, живопись, архитектуру.
  • Характеризуется отсутствием глубины в изображении высшего класса, личных предпочтений высшего общества.
  • Рококо не было интеллектуально глубоким, провокационным или сложным. У этого стиля были другие цели: не поклонение религии или возвышение власти, декор помещений жилого назначения.
  • Развитие стиля стало реакцией против формализации стиля барокко. В то время как барокко было серьезным, рококо отражало игривость, флирт, легкость.
  • Искусство барокко отображает героизм, библейские сюжеты, рококо отображает романтику, игры, роскошную сторону жизни богачей.
  • Религиозные или политические темы барокко были заменены беспечными сюжетами, которые вращаются вокруг удовольствия. В барокко художники использовали темные, глубокие, насыщенные цвета, в стиле рококо используются мягкие и яркие оттенки, которые источают оптимизм.
  • С предыдущим пунктом также связаны параметры полотен: барочные работы были монументальными, поскольку создавались для привлечения внимания к сюжету, а картины в направлении рококо использовались для жилых помещений, украшения будуаров, салонов. По причине особенностей стиля, он не пользуется успехом у критиков и искусствоведов.
  • ХАРАКТЕРНЫЕ ЧЕРТЫ

    1. Изображение беззаботной жизни представителей высших слоев общества. Картины не несут никакого негатива, будто бедности, проблем нет в мире. Смотря на полотна художников рококо, мы не увидим жестоких реалий времени, социальных проблем.
    2. Элегантно одетые дворяне во время игры в пасторальных ландшафтах.
    3. Характерны сцены ухаживания, романтики, веселья, игривости и сексуальные символы. Все, изображенное на полотне, воплощает красоту и беззаботность.
    4. Возрастание интереса к мифологическим темам.
    5. Для эпохи характерны пастельные цвета, то есть мягкие и светлые оттенки, гармонично дополняющие друг друга.
    6. В то время как некоторые церкви были построены в и оформлены в стиле рококо, как правило, религиозный элемент не существовал в живописи.
    7. Декоративная перегруженность картин, пышность – эти черты отсылают нас к стилю барокко.
    8. Изящная орнаментальность.
    9. Художники часто изображали херувимов.
    10. На смену монументальности приходит камерность, интимность.
    11. Характерной чертой является эротизм.
    12. С барокко стиль связывает пышность, тяга к излишествам, доминирование плавных линий, завитков.

МОДА ЭПОХИ БАРОККО

Baro_9

Baro_5

Сегодня мы не без удивления наблюдаем возвращение в нашу жизнь стиля Барокко. В дизайне вообще и в моде, в частности, мы видим множество черт «необарокко», но в его совершенно современном прочтении. Нетрадиционные материалы и приемы обработки в сочетании с гламуром, пышностью, декоративностью этого стиля дают совершенно потрясающие результаты, превосходящие, так сказать, «истоки».

Николя де Ларжийер. Портрет Людовика XIV с семьёй
Николя де Ларжийер. Портрет Людовика XIV с семьёй.

В целом Баро́кко — характеристика европейской культуры, центром которой, начиная с конца XVI и до XVII в. была Италия. Позже, когда Италия переживала период государственной раздробленности и упадка, наиболее могущественным и богатым государством стала Испания. В период так называемых «великих географических открытий», когда европейцы в поисках золота, серебра и пряностей бороздили океаны и открывали для Старого Света все новые колонии, испанские завоеватели-конкистадоры наполнили страну серебром и золотом, что, в свою очередь, не замедлило отразиться и на тенденциях моды. Мало какая эпоха может сравниться с этим временем, когда испанский костюм буквально слепил своей пышностью и роскошью. Конечно, правящая верхушка и других европейских стран не могла оставаться в стороне, перенимая модные тенденции. Таким образом, стиль Барокко быстро завоевал всю Европу.

 

 

Наиболее ярко новый стиль проявился в зодчестве, и, прежде всего, в церковных сооружениях. Пышный, парадный, торжественный, стиль Барокко был призван возвеличивать и прославлять, прежде всего, могущество Церкви, а также «помазанников божьих», – т.е. власть и аристократию. Этот период дал мировой культуре такие жемчужины, как грандиозные городские ансамбли (Собор и площадь святого Петра в Риме), дворцово-парковые комплексы (Версаль), многих знаменитых художников. Ключевым качеством барокко является стремление к объединению различных видов искусств, синтезу в едином ансамбле живописи, архитектуры, декоративного искусства и скульптуры.

Интерьер Барокко Фонтан Треви (Рим) Дворцовый ансамбль эпохи Барокко
Интерьер Барокко Фонтан Треви (Рим) Дворцовый ансамбль
эпохи Барокко

 

В целом для эпохи барокко свойственны грандиозность, обилие внешних элементов и эффектов, стремление к величию, патетическая приподнятость, демонстрация роскоши, богатства и пышности, театральность, граничащая с аффектацией. Естественность и непринужденность в эту эпоху отождествляется с дикостью и невежеством.

Мадам де Монтеспан, фаворитка Людовика XIV
Мадам де Монтеспан, фаворитка Людовика XIV

С закатом славы Испании пальма первенства переходит к Англии и Франции. Во Франции мода эпохи барокко соответствует времени правления Людовика XIV, которого придворные льстецы называют «Король-солнце» (1643-1715 гг.). Жесткую геометрию испанского костюма, металл и бархат во Франции сменили яркие краски и тона, нарочитая небрежность и вольность, придаваемая обильным использованием в одежде кружев и лент.

К этому времени Франция уже стала признанной законодательницей мод в Европе, а поэтому все законы этикета, стиля, манер и моды диктует королевский французский двор в Версале. Собственные представления короля превалируют над всем, и приняты в качестве эталона также и в вопросах моды, а потому это время в истории известно как «версальский диктат». Французская мода стирает национальные различия и даже сближает по внешнему виду отдельные сословия. Этот момент принято считать началом отсчета триумфального шествия западной культуры, западного стиля и западной цивилизации в целом.

 

Мода эпохи Барокко
Инфанта Маргарита Тереза в голубом платье.
Веласкес, 1659 г.

Версаль постоянно блистал роскошными балами, которые устраивал Король-солнце. Присутствовать на этих балах считала за честь вся европейская знать. Все в туалете эпохи Барокко должно было ярко демонстрировать принадлежность к кругу избранных. Поэтому привычным являлось обильное украшение одежды драгоценностями – например, один из королевских костюмов был украшен двумя тысячами алмазов! Конечно, придворные, в подражание королю, не хотели отставать от моды на роскошь и пышность.

Жизнь высших слоев общества стала напоминать театральную пьесу, которая с утра до ночи разыгрывалась на подмостках реальности. Однако эта декорация была не просто дорогостоящей и сложной забавой, – на самом деле все было поставлено на службу усиления абсолютизма, неограниченную, безраздельную власть короля и дворянства.

Мода эпохи Барокко
Барбара Палмер. Портер работы Джона Майкла.

Одежда этой эпохи очень красочна и живописна. Основная особенность женского костюма этого, так называемого «Галантного века» – это эротизм и женственность. Продолжая общие тенденции стиля Барокко, в сложных драпировках платья отображаются движение и блеск, свет и тень. Кружевные манжеты, полностью закрывающие руки, жесткий корсет, не дающий свободно вздохнуть, высокие каблуки, узкие камлоты, стесняющие движение –  одежда Барокко всячески демонстрирует богатство и праздность своего обладателя. Требования сложного придворного церемониала способствует тому, что в такой одежде можно передвигаться плавно и торжественно.

Императрица Российская императрица Анна Иоанновна.
Российская императрица Анна Иоанновна.
Луи Каравак, 1730

 

Костюм очень декоративен и красочен. Традиционная ткань, из которой в эту эпоху изготавливается платье– узорчатая парча, а также роскошный лионский и белый испанский шелк. Но самого блеска и роскоши ткани для того времени оказывается недостаточно, поэтому платье обильно декорируется. Для украшения используется вышивка, кружево, ленты, шнуры.

Крой платья сложен и многослоен. Швы, соединяющие рукава, специально не сшиваются, открывая взорам нижнее белье, которое становится своеобразным произведением искусства, – изысканным и роскошным.

Мода эпохи Барокко
Элеонора Пфальц-Нойбургская, позже императрица Австрии.
Картина неизв. автора, 1680

 

Мужчины носили пышные парики, шелковые чулки с узорами, галстуки в виде огромных бантов. Для дам обязательным было ношение туго зашнурованных корсетов, создававших чрезвычайно тонкую талию, и кринолины необъятной ширины.

Дополняет костюм, можно даже сказать, «венчает» его заметное новшество XVII века – парик. Парик зрительно увеличивает объем головы и выразительно демонстрирует достоинство его хозяина. Он служит знаком светской власти, призван превозносить государя и сильных мира сего.

 

Мода эпохи Барокко
Портрет Марии-Луизы де Тассис. Ван Дейк, 1630 г.

К концу XVII в. мода снова меняется. Туалеты, подчиняясь предписанной придворным этикетом моде, приобретают черты искусственности и большей стилизации. Свободные формы одежды становятся неподвижными и застывают, юбка, опять опирающаяся на железные обручи, теперь разрезается и приподнимается на боках. Таким образом, становится видна нижняя юбка.

Лиф платья также меняется. Опять в ходу корсет на китовом усе, он плотно зашнурован и снова имеет прямоугольное декольте. Перед лифа, украшенный кружевами, называемый планшетт (planchette), снова укоротился до линии талии. Голова, вырез платья и рукава покрываются кружевами.
.

Мода эпохи Барокко
Инфанта Мария-Тереза в возрасте 14 лет.
Веласкес, 1652 г.

 

К 1680 г. поверх неширокой нижней юбки (робе), сплошь украшенной вышивкой, надевалось верхнее платье другого цвета (манто). Манто сильно собиралось в спине и заканчивалось шлейфом. Цветовая гамма – насыщенных, густых, темных тонов: темно-синего, бордового, густо-красного, королевского пурпурного.

В моде барокко использовалось множество дополнений: веера, муфты, пояса, пряжки, подвязки и корсеты, пуговицы, перчатки, перевязи для тростей.

Мода эпохи Барокко
Принцесса Генриетта Мэри Стюарт.
Ван Хальс, 1652 г

 

В использовании косметики самым продвинутым модницам сегодняшнего дня далеко до дам эпохи Барокко! Пудра, белила и румяна использовались так обильно, что лицо больше напоминало маску. Чтобы оттенить белизну кожи, на лицо приклеивали искусственную родинку – мушку. Существовал целый «язык мушек», и дама, наклеив мушку определенной формы и в определенном месте, могла отказать кавалеру, или, напротив, выказать ему свои страстные чувства.

Мода эпохи Барокко
Леди Дороти Мэйсон, Годфри Кнеллер, 1680 г.

 

Что касается причесок, то в 1660-е гг. в моде были прически «манчини» и «севиньи» (по имени знаменитой писательницы и по имени племянницы кардинала Мазарини, которую король любил в юности). Позднее то, что украшает в эту эпоху женские головы, вряд ли можно назвать просто прическами. Скорее, это сложные и вычурные специальные сооружения, которые называются «фонтанж», – по имени герцогини де Фонтанж– одной из многочисленных фавориток короля Людовика XIV.

 

Король Людовик XIV в окружении придворных дам в концерте

Фонтанж представлял из себя высокую основу на проволочном каркасе, на которую крепился жесткий чепец с несколькими рядами полотняных оборок или кружев, собранных в складки.  Известно более 100 видов фонтанжа. Размеры фонтанжа были чудовищными: говорят, у одной модницы в Вене он достигал 1,3 метра, но обычно высота прически составляла около 50-60 см.

На сооружение фонтанжа, разумеется, уходила масса времени, что не позволяло женщинам не то что мыть голову, но даже ежедневно расчесывать волосы. Даже аристократки могли делать это не чаще одного раза в 1-2 недели, а женщины более низкого сословия причесывались и того реже – раз в месяц. В целях красоты и стойкости прически, отбивания неприятного запаха волосы смазывали белком, растопленным бараньим жиром, а также без меры использовали всевозможные ароматические помады и масла.

Благодаря этому распространенным явлением при королевских дворах становятся неприятные насекомые – вши и блохи. Красавицы того периода имеют в своем арсенале специальные приспособления – блохоловки и палочки для изящного почесывания головы.

На какой то период европейские красавицы отказались от фонтанжа. Когда в 1713 г. на приеме в Версале англичанка герцогиня Шрусбери предстала перед Людовиком XIV с гладко зачесанными волосами, тотчас в моду вошла гладкая маленькая прическа с локонами, рядами ниспадающими на плечи. Популярность маленьких причесок сохранялась довольно долго пока в 70 е годы XVIII в. в моду не вошли сложные конструкции из высоко взбитых волос, значительно превышающие по сложности пресловутые фонтанжи.

В первой половине XVIII ст. Барокко развивается в направлении  к более грациозному и легкому стилю – Рококо. Барокко сосуществует и переплетается с ним, а к 1770-м гг. вытесняется классицизмом и рационализмом.